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Sixto Cid, José María Ruiz y José Ramón Pardo

CINE

Blackthorn (Sin destino)

Dirección: Mateo Gil
Guión: Miguel Barrios
Producción: Ariane Mararía y Arcadia Motion Pictures
Reparto: Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea, Magaly Solier, Nicolak Coster-Waldau, Padraic Delanay, Dominique Mcelligott…

Sinopsis: Tras haber huido de Estados Unidos, el legendario forajido Butch Cassidy murió en Bolivia en 1908, tiroteado junto a su amigo Sundance Kid. Esto es lo que dice la versión oficial, pero lo cierto es que ha pasado veinte años escondido y ahora quiere volver a casa. De pronto encontrará en su camino a un joven ingeniero español que acaba de robar la mina en la que trabajaba perteneciente al empresario más importante de Bolivia…

Mateo Gil: Para mí es una especie de canto del cisne. Está ese otro tema que es el cambio de un antiguo mundo a un nuevo mundo distinto, tal como lo ve Butch Cassidy. Me crié viendo westerns en televisión. Es un género que permite plantear dilemas morales y políticos en términos muy sencillos, un género que describió, o narró, el nacimiento y el crecimiento de una nación. He hecho un homenaje al género. John Ford y Sam Peckinpah son los papaítos fundamentales.

Miguel Barrios: Sin hacer una película directamente política, porque es una película de vaqueros, no es casualidad que los dos personajes sean extranjeros en Bolivia, representantes de naciones finalmente imperialistas como fue España hasta el siglo XIX, como es EEUU desde entonces.

Eduardo Noriega: Yo considero que la voz es fundamental a la hora de componer un personaje. El doblaje es una disciplina que exige mucho talento, mucha dedicación, es todo un arte en sí mismo, pero es una versión del original. No estoy en contra del doblaje, estoy en contra de la masificación del doblaje.

Stephen Rea: Mi agente me envió el guión y me dijo que Sam iba a hacer esa película. Quiero mucho a Sam, es uno de mis mejores amigos en la industria, pero yo sólo me fijo en el guión. Si creo que puedo dar vida a lo que hay en ese guión entonces lo hago y me parece que el guión de Miguel es de los mejores que he leído.


Guest

Dirección: José Luis Guerín

Guión: José Luis Guerín

Sinopsis: Un director callejea con una pequeña cámara al encuentro de un motivo o personaje para su próxima obra. Con forma de diario de viajes, Guest presenta los registros tomados por este cineasta. Bajo el trenzado aparentemente azaroso de cada uno de estos apuntes late una película: la situación, el conflicto, el personaje que debería gestarla. “Lo observado” se manifiesta como estadio primero, esencial e inagotable del cine.

José Luís Guerín: Yo acudía a presentar mi película En la ciudad de Sylvia con mi pequeña cámara y la utilizaba un poco como una terapia defensiva ante lo que advertía como una mirada un poco depredadora, estar expuesto. Tener la cámara conmigo me daba la posibilidad de devolver la mirada. Poco a poco se fue operando una mutación con esa herramienta. El pasar de ser un mecanismo defensivo a ser un mecanismo de comunicación con el otro, un conocimiento.

Fui a cuarenta y seis festivales de los que en la película no se si quedan ocho o diez. La vida en los festivales es siempre muy artificial, el festival de cine es el no lugar por excelencia. Cada vez con mayor frecuencia iba a callejear, a buscar algo, un rostro, unas palabras, algo interesante, revelador.

Me excitaba mucho la forma de un diario en fragmentos donde iban apareciendo una serie de rimas, de leit motives, que cohesionaban una composición general. La película fue cambiando enormemente, se fue transformando con sucesivos hallazgos. Más de ciento cincuenta horas de material.

Empiezas rodándolo todo y a medida que vas estudiando el material las posibilidades se van restringiendo hasta que sólo es posible una imagen. Casi toda la gente que he filmado ha perdido sus hogares originarios. El blanco y negro me parece superior siempre para el tratamiento de los rostros. El gran misterio del cine es el cálculo y el azar. Ser el primer espectador sorprendido de mi propia película.


Naufragio

Dirección:Pedro Aguilera

Guión: Pedro Aguilera
Producción: Alukatu S.L. y Riva Films

Reparto: Solo Touré, Kandido Uranga, Iñake Irastorza, Álex Merino, Julio Perillán, Ruth Armas, Ramón Barea, Carlos Bravo, Jakob Dembele…

Sinopsis: Un náufrago, inmigrante negro, llega frente a las costas del sur de España. Con dificultad, consigue llegar a la orilla y salvar la vida. Es un ser anónimo y proscrito, pero no como el resto de inmigrantes subsaharianos. Su mente está repleta de voces, espíritus que le confunden y le gobiernan. Para liberarse de ellas tendrá que cumplir una misión: matar a un hombre.

Pedro Aguilera:El protagonista lo conseguimos buscando por la calle en Lavapiés. Él es albañil, de Guinea Bissau, una colonia portuguesa, y es una pena porque se ha tenido que ir porque no le daban trabajo.

La película habla de ese mundo literal, de cómo leemos las cosas como si fueran los titulares de un periódico. El comerciante que explota a los inmigrantes, ya está, pegatina. El gay que se enamora de tal, el gay del pueblo, reprimido. La chica que parece la puta que se folla a todos, pegatina. Me apetecía trabajar con esas pegatinas, que se contrastaran con una persona que es totalmente abstracta, que es etérea, que no tiene sexualidad aparente, que no tiene intereses aparentes, más que una especie de posesión y obligación exacta de hacer una cosa.

Para mí él es un espíritu, no es real. Es una abstracción de mí. El hijo pródigo, que soy yo, que es el negro, que es la Humanidad, puede integrarse con el cosmos, puede morir en paz. De alguna forma, quiere hablar un poco de la pureza extrema que uno puede buscar en la vida, el desapego total, del que pueden hablar los budistas, que es la felicidad total, el nirvana, el no necesitar ciertas cosas. La Humanidad tiene un padre y una madre, y siempre nos falta algo, estamos siempre luchando, estamos en un enigma constante, no sabemos qué hacemos aquí. Es increíble que la gente reduzca el mundo a trabajar y pagar facturas. Vivimos en la ignorancia total, con lo cual por qué no hacer películas sobre la ignorancia total. Ese es mi planteamiento. En occidente estamos perdidos, esto es un naufragio de alguna forma, naufragio mental.

Ramón Barea: Cuando te planteas un trabajo como actor, lleves el tiempo que lleves, siempre tienes una sensación de debilidad y de fragilidad muy grande.


No tengas miedo

Dirección: Montxo Armendáriz
Guión: Montxo Armendáriz
Producción: Oria Films

Reparto: Michelle Jenner, Lluis Homar, Belén Rueda, Nuria Gago, Rubén Ochandiano, Cristina Plazas, Javier Pereira, Irantzu Erro, Ainhoa Quintana, Irene Cervantes, Maider Salas…

Sinopsis: Una joven marcada por una oscura infancia. Con apenas 25 años decide rehacer su vida y enfrentarse a las personas, sentimientos y emociones que la mantienen ligada al pasado. Y en su lucha contra la adversidad, contra sí misma, irá aprendiendo a controlar sus miedos y convertirse en una mujer adulta, dueña de sus actos.

Montxo Armendáriz: Yo desconocía las graves secuelas tanto psicológicas como físicas que dejan los abusos sexuales que uno ha sufrido en la infancia. Quise saber más y empecé a investigar, a leer varios libros que me recomendaron y, sobre todo, me pusieron en contacto con varias víctimas. De todo ello escribí una historia de ficción, la película no responde a ninguna persona en particular, sino que es un puzzle de todo lo que yo escuché.

Frente a lo que normalmente desconocemos el mayor porcentaje de abusos sexuales se produce dentro del entorno familiar, amistoso y fundamentalmente colegios y sistema educativo. El gran interés de la película es que haga reflexionar al público.

El problema para mí era el acercamiento, el tono, el punto de vista, cómo se contaba todo este horror sin caer en el morbo, ni en la manipulación. Eso es lo que más me costó, hasta que llegué a un punto de vista donde solamente quería que la cámara, y por lo tanto el espectador, viviera con la propia víctima el dolor y también el esfuerzo y la voluntad de salir de la situación.

Desde el principio quería que este personaje, que vive en la más absoluta soledad, en un desamparo total, tuviera algo a lo que agarrarse, aunque fuera el elemento musical, y a la hora de elegirlo pensé en el chelo porque es el único que realmente se abraza.


CORTOS

Gemalogía

Director, productor y guionista del cortometraje: Rick Limentani
Coguionista, productora y actriz: Rebeca Cobos

Actor: Álex Barahona

La imperfección hace perfecta a la persona de la que te enamoras.

Sinopsis: Erick es un joven gemólogo que trabaja en un banco especializado en la clasificación de diamantes. Analiza, como todos sus compañeros, las imperfecciones de las piedras preciosas hasta que un día es incapaz de encontrarle inclusiones a un diamante. A punto de ser despedido por asegurar lo imposible, alega que las imperfecciones le dan carácter a la gema y eso es lo que le hace ser perfecta, tanto como lo es para él Gema, la chica de la que se ha enamorado.

Historia: El guión de Gemalogía está basado en un relato que Rick Limentani desarrolló junto a Rebeca Cobos. Surgió como historia breve dialogada más que novelada y el medio más adecuado para llevarla a cabo era el audiovisual, siendo el cortometraje su formato ideal.

Localizaciones: Valdemorillo y la historia de amor. Los amplios límites de Valdemorillo aportan belleza natural, un entorno y unas vistas únicas. No hay nada más histórico que enamorarse, por eso, todas las escenas con las que se cierra la historia de amor están centradas en el casco histórico del pueblo.

La Escuela de Minas y el Instituto Gemológico representa la modernidad; la imagen de una sala de alta seguridad de un banco especializado en el comercio de diamantes es fiel indicadora de progreso. Dicha escuela aporta, gracias a la mezcla clásica y elegante de su arquitectura, esta imagen moderna que nos envuelve de aires de futuro y nos traslada a la más alta tecnología gemológica.

Productora: Palon Film Company es una productora inglesa con sede en Londres y París. Rick Limentani y Andrew Brooke trabajan desde hace años codo a codo para sacar adelante proyectos de alta calidad audiovisual (www.parlonfilm.com). Gemalogía es el primer cortometraje que la productora desarrolla en España, habiendo sido muy satisfactorio tanto el proceso de reproducción como el de rodaje.


Pepita Montes

Guión y dirección: Nicolás Gutiérrez
Reparto: Esperanza Roy, Rubén Cobos y Georbis Martínez

Pepita Montes es el último trabajo cinematográfico de la gran Esperanza Roy. La diva madrileña protagoniza este dramático e irónico cortometraje que nace bajo la alargada sombra de El Crepúsculo de los Dioses del maestro Billy Wilder.

Esperanza se mete con convicción en la piel de una folclórica decadente que pretende revivir sus días de gloria. Lo hace acompañada de un solvente reparto en el que cabe destacar a Rubén Cobos, habitual del grupo teatral Yeses que, junto a Roy, lleva el peso dramático de la narración a través de la construcción de un personaje poliédrico, que resulta oscuro y tierno a partes iguales.

Del resto del reparto destacamos al joven cubano Georbis Martínez, cada vez más asentado en las tablas españolas, que realiza una interpretación muy fresca y natural.

La historia, que transcurre con fluidez destilando ironía y sentimiento, nos recuerda inevitablemente a ciertos episodios reales y de lo más mediáticos protagonizados en los últimos tiempos por algunas de las grandes figuras de nuestra farándula.

El guión mezcla escenas costumbristas, aderezadas con diálogos aparentemente ligeros pero que esconden el reflejo de una relación obsesiva y enfermiza que va creciendo según avanza la trama hasta desembocar en una oportuna ensoñación onírica que marca el principio del desenlace.

La realización, sobria pero efectiva, peca de cierto estatismo en algunos momentos clave, queda claro que el director busca favorecer al intérprete y a su palabra por encima de cualquier virtuosismo técnico.

El trabajo de vestuario y atrezzo está muy por encima de la media habitual de los cortometrajes patrios, y estos elementos, junto a una acertada banda sonora, ayudan a que el espectador entre con agrado en el universo folclórico-kitsch de la propuesta.


Regreso a Viridiana

Guión: Pedro González Bermúdez y Juan Zavala

Dirección: Pedro González Bermúdez

Monique Roumette llegó a Madrid con apenas 21 años con una beca para aprender español. Su programa de estudios exigía unos meses de prácticas en una empresa española y unos amigos la pusieron en contacto con Uninci, justo en el momento en el que la productora se disponía a rodar Viridiana. Cincuenta años después de que Viridiana ganara la única Palma de Oro para un filme español en el Festival de Cannes, Monique recuerda aquella aventura en este documental.

Pedro González Bermúdez: Cuando la historia es buena y se tiene una colaboradora con esa experiencia todo fluye.

Monique Roumette: Daban mis veinte años en Madrid, fue un momento interesante y fuerte para mí por la gente que encontré. Además de Buñuel, estaban también Erice, Jesús García de Dueñas, César Santos Fontenla y Antonio Eceiza, un grupo de valores muy interesante; España me pareció una maravilla a ese nivel. Si hubiera trabajado en el rodaje hubiera podido ir muchas veces, a mí me dejaban estar, pero mi trabajo era elaborar un informe sobre Uninci. A mi escuela Viridiana no les interesaba, sólo Uninci. Buñuel se llevó muy bien conmigo, se llevaba bien con todos, respetaba a toda la gente aunque fuera insignificante. Todos le llamaban Don Luis. A nivel cotidiano era la persona más amable, más cortés, más elegante, más poeta que pudieras imaginar. Era un filósofo que tomaba la cámara para expresarse. Capaz de entrar, de disecar, de mirar, de ver, lo que hay detrás en las profundidades del ser. El surrealismo existe también por Buñuel y, sobre todo, por Buñuel a nivel mundial, de reconocimiento. Tenía una mirada muy aguda:”cristo-navaja es un cristo diablo, el diablo es lo que separa, cristo es lo que une, y reunidos en la misma cosa es increíble”, lo veía todo de inmediato. Intelectualmente no entraba en explicaciones. Él siempre dejaba al espectador libre. Buñuel se interesaba por todo, hasta por la cosa más nimia que vivía merecía su respeto. Era un hombre respetable porque respetaba a todos. Si lo hacía es porque la vida es demasiado cruel, terrible, y las condiciones sociales transforman a las personas en monstruos. El surrealismo era una especie de grito contra lo insoportable de nuestra civilización, la hipocresía total.


Tchang

Dirección: Dirección: Gonzalo Visedo-Daniel Strömbeck

Guión: Gonzalo Visedo

Intérpretes: Martxelo Rubio, Juan Aroca, Gorka Lasaosa, José Luis Ayuso

Sinopsis: Tchang es un mediometraje de algo más de veinte minutos que transcurre en alta montaña, y cuyo guión está inspirado en hechos reales.

La directora de casting, Luz Martí, presentó a nueve aspirantes. De ahí surgieron: José Luis Ayuso, que haría el papel de un teniente de rescate de la Guardia Civil de montaña poco experimentado; Martxelo Rubio, un etarra veterano y quemado con la lucha armada, lleno de dudas e incertidumbres, y Gorka Lasaosa, un joven comprometido con la lucha etarra, radical en sus planteamientos. Finalmente, casi a punto de empezar el rodaje, se descubrió para el reparto a Juan Aroca, un veterano agente de rescate en montaña.

Para Gonzalo Visedo era importante que los actores se metieran en la piel de lo que siente un montañero, así que, con la ayuda del alpinista Ramón Portilla y de Sebastián Álvaro, director de Al filo de lo imposible, se preparó a los actores en Peñalara durante tres días.

El rodaje concluyó en Euskadi, a finales de mayo, entre comodidades y buen tiempo, pero se rodó en Sierra Nevada, a 2.400 metros de altitud, para dar todo el realismo posible a la cinta. Asesorados por la gente de rescate del SEREIM, los cuatro actores aguantaron estoicamente los días de rodaje en exteriores y las escenas que requerían más acción física.

Para rodar en interiores, se trasladó por piezas el decorado de una cueva a una nave frigorífica de un polígono industrial de los alrededores de Madrid.

El final, afirma Gonzalo, es la parte de la que me siento más orgulloso, por el brillante trabajo de Martxelo Rubio y Gorka Lasaosa: Gorka es catalán y tuvo que esforzarse mucho para memorizar todo el diálogo en euskera.

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