Nuestro cine :

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Sixto Cid, José María Ruiz y José Ramón Pardo

CINE

Celuloide Colectivo

Dirección: Óscar Martín.
Guión: Óscar y David Martín.
Producción: Nadie Esperfecto Movie Productions y Just Films S.L.
Entrevistados: Juan Mariné, Basilio Martín Patino, Ken Loach, Román Gubern, Alfonso del Amo, Julio Pérez Perucha, José María Caparrós Lera, Emeterio Díez Puertas, Colette Durruti, Heleno Saña, Alejandro Montiel, Vicenta Estivalls, Luis Rubio Chamorro, José María Claver Esteban, Juan Antonio Ríos Carratalá, Just Casas, Albert Girona, Josep Lluis Sirera, Concha García Bragado Acín, Ramón García Bragado Acín, Mercè Ibarz y Manuel Vicent.

Sinopsis: En julio de 1936, durante la Guerra Civil Española, para los anarquistas empieza la revolución social. Los espectáculos públicos pasan a ser socializados, surgiendo un modelo de producción y exhibición de películas nunca antes visto.

Óscar Martín: Este proceso de socialización es único. Nunca los libertarios han tenido el poder en la cinematografía a nivel mundial. Ciento y pico salas de cine en Barcelona estaban colectivizadas. Se hicieron ciento y pico películas. Colette Durruti nos dijo cuando la conocimos que era la primera vez que se ponía delante de una cámara y que iba a ser la última.

Juan Mariné: Yo empecé en el año 34 como ayudante de operador. Y lo pasé muy mal esa época de guerra, que la viví entera. Mi vida es el cine, por el cine y para el cine, pero siempre acordándome en el rincón de mi alma como momento feliz aquel que estuvimos haciendo películas con el sindicato en Barcelona, en la CNT/FAI, dentro de aquella guerra y todo aquel mundo que nos rodeaba, de espinas.

Román Gubern: Así como los socialistas y comunistas tenían el canon que venía de la Unión Soviética, los anarquistas por definición no tenían canon. Por tanto, inventaban, mezclaban ficción con documental. Hicieron películas de ficción, primero militantes, como Barrios bajos y Aurora de Esperanza, contrarias al cine de Hollywood, que era narcótico para las masas. Pero ocurría que luego la gente iba a ver el narcótico para las masas, porque caían las bombas y la gente quería ver a los guapos con esmoquin y las chicas con el escote bailando vals en palacios de mármol.

Magí Crusells: Es la primera contienda civil que es filmada prácticamente desde el inicio hasta el final. En la actualidad estamos saturados de mensajes audiovisuales pero en aquel entonces la única forma de ver una película era en una sala cinematográfica.


Dictado

Dirección: Antonio Chavarrías.
Guión: Antonio Chavarrías sobre una idea original de Sergi Belbel.
Producción: Oberon Cinematogràfica S.A.
Reparto: Juan Diego Botto, Bárbara Lennie, Mágica Pérez, Marc Rodríguez, Àgata Roca, Nora Navas, Adrián Bermúdez, Pedro Muiño, Cristina Azofra, Monti Castañeiras, Maria Pau Pigem…

Sinopsis: Una pareja acepta acoger en su casa a la hija de 7 años de un amigo de él. Amigo de la infancia que acaba de suicidarse. Algunas de las acciones de la niña despiertan en él miedos y sentimientos de un pasado que había decidido enterrar.

Antonio Chavarrías: Considero la película como un cuento oscuro sobre la infancia y el peso que tiene la misma sobre nosotros. Lo llevé por el territorio de la inocencia, gente que no quiere hacer mal y se encuentra en una situación que les arrastra a la destrucción. Creo que las condiciones hacen mucho para que salga este monstruo que a veces podemos llevar dentro. Lo que en un principio dejamos claro, tanto con la niña como con los otros tres niños que están en la película, es que era un juego.

Juan Diego Botto: Siempre es mejor si se rueda en orden cronológico. Realmente creo que Mágica se lo pasó muy bien, ella no conocía la historia, no sabía de qué iba, nunca supo realmente de qué estábamos trabajando y tiene que ser así, es mejor que sea así. Ella disfrutó mucho el proceso.

Bárbara Lennie: Una mujer que intenta ir entendiendo y acompañando a la persona que ama. Y a la vez, una tipa que acaba de salir de un momento muy delicado que es un aborto y eso la ha marcado para bien y para mal, aunque ella es vital y es positiva, quiere salir hacia delante, pero eso está ahí y la falta de ese niño también juega mucho en la película.


Historias de la Inopia

Guión y Dirección: Gabriel Pérez-Juana.
Reparto: Gabriel Pérez-Juana, Juan Arquero, Lola Pérez-Juana y María Pérez-Juana.

Sinopsis: Veintinueve relatos para los que estén dispuestos a sacar a pasear al niño que aún les queda dentro. Encadenados de tal manera que casi todo el registro de emociones que habita en las honduras de nuestra memoria se pone en juego.

Gabriel Pérez-Juana: La inopia tiene su acepción de pobreza, por una parte, cosa que me gusta. En cuanto que aquel que está en la inopia, es un personaje que está invalidado para la realidad. Como contrapartida parece que la inopia trae sus compensaciones, es un territorio vago, indefinido, de riqueza. No riqueza en el sentido dinerario de la palabra. La inopia no promete futuro ninguno. Esto lo siento como una oportunidad para reivindicar el juego, ése que los niños practican con mucha mas soltura que nosotros y mucho mejor. Tratar a la muerte literariamente, cinematográficamente, supone tratarla como lo que es, una contradicción pura y dura que está ahí persiguiéndonos de la noche a la mañana o de la mañana a la noche. Mirarla así, en lo que es, la falsedad y la mentira que supone, es creo que la mejor manera de que pueda surgir con mas frecuencia la alegría verdadera. A la realidad se la carga algo inesperado, algo que siempre va a ocurrir. A pesar de todos los afanes de las instituciones siempre les sale mal, siempre hay algo que se carga planes, políticos, financieros, lo que sea, lo estamos viviendo. La música al final se acopla sola. Todo es ritmo, la literatura es ritmo, la poesía es ritmo, la imagen es ritmo, entonces cuando la música se acopla a la imagen y el ritmo no se disocia, me digo, ésta es la música, pero eso después de haber pasado varias músicas cogidas al azar. Generalmente me voy al piano, viene muy bien, es silencioso como el personaje. Creo que con el gesto se puede decir todo, no hace falta hablar. Hay que cargarse la pretensión de verdad del diccionario. El desconocimiento, el no saber, el no tener de antemano, no saber lo que va a pasar, el desenlace final, eso para mí es una religión. Así pueden pasar cosas.

Julián Escribano Moreno (producción): Es sorprendente la posibilidad de que un hombre sea capaz de llegar a su estudio, después de haberse inventado estas historias, con una cámara doméstica y lo lleve a término.


La Tinta Negra

Guión y Dirección: Sebastián Arabia.
Productora: Off Cinema Producciones.
Entrevistas: Carlos Slepoy, José Antonio Martín Pallín, Carlos Jiménez Villarejo, Esteban Beltrán, Emilio Silva, José María Pedreño, Miguel Bernard, Miguel Ángel Muga, Hilda Farfante, Mar Soriano…

Sinopsis: Radiografía del llamado caso Garzón y los crímenes del franquismo en la que se analiza, de manera metódica y en profundidad, una de las investigaciones judiciales mas polémicas de la historia de la democracia española.

Sebastián Arabia: España sigue siendo un país muy feudal. Aparentemente la gran mayoría de la población no termina de comprender esto como un problema. Es la institucionalización de la ilegalidad. Es decir, un juez no puede  negarse a acudir donde hay restos humanos. Es ilegal. Está obligado. Pero  esa otra actitud está institucionalizada. Es tradicional. Es habitual. Cuando se han sufrido cuarenta años de dictadura y el movimiento ciudadano es prácticamente inexistente porque o están muertos o están exiliados, la herencia social afecta al país entero.

Por encima de cualquier otra cosa estamos hablando de derechos humanos. Ni siquiera hay un consenso. El nudo de todo esto es si son o no delitos de lesa Humanidad.

Emilio Silva: La fiscalía lo que dice con respecto a esos crímenes es que han ocurrido ciento trece mil asesinatos de civiles de forma independiente, como si hubiera sido una casualidad, en cientos de pueblos de España. Esos crímenes ocurrieron fundamentalmente entre julio y octubre del año 36. Las exhumaciones tienen un plano brutal, que es el fin del miedo. De repente el tabú se dinamita, eso es un parto de ciudadanos. El miedo cuida la viña.

Ariel Jerez: Tres generaciones han sido socializadas bajo el terror estratégico manejado institucionalmente. Éste es el único país de Europa que no tiene ultraderecha, eso permite que ministros Legionarios de Cristo se presenten como de centro. Su racionalidad sigue apoyada en una correlación de fuerzas, que a día de doy es más por la omisión de la izquierda que por la capacidad real de la derecha, pero el miedo que lograron generar hace setenta años sigue operativo hoy. Trataron como subespecie a su propio pueblo, de hecho con las tropas coloniales.


Iceberg

Dirección: Gabriel Velázquez
Guión: Blanca Torres y Gabriel Velázquez
Producción: Escorado Producción
Reparto: Jesús Nieto (Peti), Carolina Morocho, Víctor García y Juanma Sevillano.

Sinopsis: Tres silenciosas historias de adolescencia se cruzan en un río de invierno a su paso por una pequeña ciudad. Adolescentes con padres ausentes que atraviesan un momento crítico: están dejando de ser niños, pero aún no son mayores.

Gabriel Velázquez: Me tiré un año montando, pero ha sido cortando, porque había peleas, persecuciones, discusiones, se hablaba bastante. Tenía un estado de ánimo ese año que no me apetecía follón ni nada. Quiero que sea todo ellos quietos, tranquilos, con su iceberg, con lo que les pasa por debajo, que no se lo cuentan a nadie, que no haya padres. El primer problema que tienen en solitario, que no se lo cuentan a nadie, eso nos ha pasado a todos. Cuando tienes el primer problema y lo superas te hace madurar. Es lo que quería contar. No quería dejar las cosas muy claras, ni que fuesen demasiado importantes las cosas que sucediesen, sino la emoción de los niños pululando por el río con sus pequeños problemas. A mi, como me ha pasado… yo desde que se murió mi padre ya me daba igual la muerte de todos los padres de todos los demás. Me apetecía ver los niños deambulando por un paisaje que no es una ciudad, ni tampoco es rural, sino que es a las afueras de una ciudad. Es una mezcla de naturaleza y de soledad que me apetecía investigar. Me gusta más dejar las cosas así, que la gente las sienta, o el que no las sienta, pues mala suerte. Me gusta más adaptarme a los personajes, a como son ellos, las personas de verdad, que no intentar moldearles para que actúen. Soy capaz de cambiar el guión. Me gusta investigar, experimentar y veo el cine como algo vivo y meto mis emociones pero a mil por mil. Cambio todo cada dos por tres. Soy productor y director, hago el montaje…


REC 3: Génesis

Dirección: Paco Plaza
Guión: Luiso Berdejo y Paco Plaza
Producción: Filmax Entertainment
Reparto: Leticia Dolera, Diego Martín, Mireia Ros, Ismael Martínez, Alex Monner, Claire Baschet, Blai Llopis, Xavier Ruano, Emilio Mencheta, Itziar Castro, Sr. B, Jana Soler, Adolf Bataller, Dolores Martín, José de la Cruz…

Sinopsis: Dos jóvenes están hechos el uno para el otro. Van a celebrar su enlace matrimonial acompañados de sus seres queridos. Pero una negra sombra se cierne sobre ellos. En el día más feliz de sus vidas, el infierno va a desatarse.

Paco Plaza: Pretende ser un homenaje a esa manera de entender el cine como algo lúdico, como vamos a divertirnos juntos, vamos a pasarlo bien y vamos a subir a este tren de la bruja, a este tobogán de emociones sin freno. Hay algo muy local y muy castizo en REC desde su inicio. Vocacionalmente es heredera del sainete, de Berlanga, de Valle-Inclán, es una tradición totalmente hispánica. Cualquier celebración familiar es bastante horrible en sí misma. Una boda es agotadora. Es algo que me espeluzna bastante y a la vez lo disfruto mucho.

Leticia Dolera: Es un valor muy grande el que tiene la saga y su recreación con la música española con el homenaje al rock-pop de los ochenta-noventa, el decir “somos españoles y estamos orgullosos de serlo, y podemos hacer buen cine de calidad de terror en España y en español”. La primera parte fue un gusto a nivel actoral porque podías improvisar, dejarte llevar, olvidarte de que estabas en un rodaje para pasar a estar en una boda. Y la segunda parte, donde cada uno vivió su aventura por separado hasta el reencuentro, pues para mí fue una liberación; yo quedaba muy descansada de matar zombis, es algo muy relajante.

Diego Martín: Las bodas están muy bien, pero son una pesadilla. No me puedo imaginar situación peor que bailar delante de gente, y Paco ha sido muy agradable y me ha brindado las dos pesadillas: el cante y el baile. Ha sido mi pesadilla en una película de pesadillas. Ha sido una película muy poco película, en el sentido de que la técnica estaba muy poco presente.


CORTOS

Ánimas Helvecias

Documental: Sergio F. Pinilla y José A. García Juárez.

Sergio F. Pinilla: El cortometraje nº 13. Competir en un Festival Internacional como Documenta Madrid es un acontecimiento inigualable. Al subidón de la preselección le suceden una serie de incertidumbres que tienen que ver con el soporte en el que se verá tu película (nosotros elegimos transferir las imágenes a cinta Betacam frente a las onerosas alternativas del 35 mm y del DCP-2K), la calidad intrínseca de tu trabajo (inevitablemente puesto en relación con los cortometrajes realizados por directores de mayor trayectoria) y con la soberana reacción del respetable público finalmente. En la programación del Festival, Ánimas Helvecias se proyectó precediendo inmediatamente a una de las películas más interesantes del Festival: Edificio España, dirigida por Víctor Moreno. La innata habilidad de José Antonio (cámara) para capturar los milagros cotidianos que acontecen en los rincones de una ciudad centroeuropea (en realidad son secuencias “robadas” de la realidad de dos capitales suizas: Berna y Lucerna) constituía entonces una suerte de programa doble junto a las despojadas imágenes filmadas en el esqueleto del inmueble madrileño, transmutado en fantasma y metáfora a la vez.

José A. García Juárez: Hermeneútica de las imágenes. El actor subjetivo conduce su mirada y crea sus historias a partir de ella. El que su presencia física no se materialice en el encuadre no implica su ausencia. No es autor, sino actor, uno más de la realidad que registra, de la que participa. Ánimas Helvecias camina por la evocación de una pausa en Suiza. El país del reloj de cuco exporta tiempo para extirparlo de su vida, para devolverse al mundo natural, mientras observa como un espectro reflejado, lo que la mano del hombre ha creado, y lo que el propio hombre ha transmutado de útil en inútil. El hombre de la cámara ansía, desde la pausa de un hogar, ese mundo que sólo vive en el idilio de unas fugaces vacaciones. Aspira a que su presencia no altere la demostración de la cotidianeidad, que sus intérpretes, el agua y el fuego, la tierra y el viento que la mece y la adormece, los pájaros pragmáticos, o el hombre y su mano impaciente acudan a su kino eye sin prejuicios.


La Autoridad

Guión y dirección: Xavi Sala.
Reparto: Abdelatif Hwidar, Belén López, Priscilla Delgado, Badar Bennaji, Adolfo Fernández y Esther Ortega.

Xavi Sala: Una familia española de origen marroquí va de vacaciones y es detenida por la policía. Tras sufrir un humillante registro, las cosas ya nunca volverán a ser como antes.

La Autoridad es un cortometraje de ficción en tono road movie, ambientado en una carretera de España pero que podría suceder en cualquier lugar del mundo. La Autoridad reflexiona sobre el miedo, el prejuicio y el resentimiento. Se plantea sutilmente el abuso de autoridad consensuado, que se ensaña con unos y no con otros, donde aparentemente no sucede nada pero que humilla, deja indefenso y crea odio. Un cortometraje que plantea interrogantes para que cada espectador encuentre sus propias respuestas. El guión se basa en el tipo de experiencia personal que no se suele compartir con otros. Muchos a los que les conté la historia también tenían una personal de ese tipo que compartir conmigo. Todos tenían algo que decir acerca del tema, no dejaba indiferente a nadie. Comprobé que era una historia muy común que siempre se había escondido entre las sombras de la represión y el sentimiento de culpa. Escuché historias mucho más terribles que la que yo cuento, pero preferí ser fiel a mi idea porque temía caer en cierto maniqueísmo.

La Autoridad es una película sobre la violencia, pero no hay discurso aleccionador ni mucho menos, la violencia está ahí, germina, explota, se calma, sigue su curso, como un elemento más de la vida.

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