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Sixto Cid, José María Ruiz

Cine

Pagafantas

Dirección: Borja Cobeaga
Guión: Borja Cobeaga y Diego San José
Producción: Telespan 2000, Antena 3 Films y Sayaka Producciones Audiovisuales
Reparto: Gorka Otxoa, Sabrina Garcíarena, Julián López, Óscar Ladoire, Kiti Manver, María Asquerino, Michel Brown, Ernesto Sevilla, Bárbara Santa-Cruz, Pilar Gil, Teresa Hurtado de Ory, Maribel Salas…

Sinopsis: Pagafantas: Dícese del chico que se enamora de una chica que lo ve amigo y que en vez de enrrollarse con ella se tiene que contentar por pagarle las fantas.

Borja Cobeaga: “Nosotros hemos intentado hacer una cosa muy realista donde la gente se identifique. El público al verla la rellena con sus experiencias personales. Es una obra abierta. En parte es una comedia terrorífica porque yo siempre digo que más que un chico parado con un hacha lo que más miedo te da es que una chica te quiera como amigo. Es una película hecha desde las tripas y con mucha verdad. A la hora de hacer mi primera película estaba acojonado porque pensaba que no iba a poder elegir a los actores que yo quisiera y todos están porque me ha dado la gana, así que ha sido un privilegio tener el reparto que uno quiere”.

Gorka Otxoa: “Creo que nadie, en algún momento de su vida, se libra de ser un pagafantas”.

Óscar Ladoire: “Borja ha hecho una película que desde lo más local es la historia sexual de algunos vascos de una cierta edad y eso es una universalidad, amén de ser una película entendible hasta en el mundo exterior”.

Kiti Manver: “A mí me gustó mucho la mala leche que tenía el guión, además que me parecía divertido. El guión se lo di a leer a mi hijo y se reía”.


Agallas

Dirección: Samuel Martín Mateos y Andrés Luque Pérez
Guión: Javier Félix Echániz y Juan Antonio Gil Bengoa
Producción: Continental, Mucho Ruido y Agallas AIE
Reparto: Carmelo Gómez, Hugo Silva, Celso Bugallo, Carlos Sante, Mabel Rivera, Xavier Estévez, Rula Blanco, Tomás Lijó, Pepo Suevos, Alfonso Agra, Yoíma Valdés…

Sinopsis: Thriller con toque de humor ácido que cuenta la historia de un delincuente de poca monta recién salido de prisión que decide buscar empleo en una pequeña empresa gallega al comprobar que su dueño no se ha debido pagar el Jaguar con cangrejos precisamente.

Samuel Martín Mateos: “Un cine de género, muy de cine, género negro en este caso. Siguiendo sus códigos pero españolizada. Tiene un cierto tono valleinclanesco en algunos momentos y desde luego de la picaresca española también. El miedo, la ambición, la traición, pulsiones universales. Hay bastantes directores que pueden llegar a hacer la primera película y muy pocos que hagan la segunda”.

Andrés Luque Pérez: “Queríamos prestar especial atención al miedo. Enfrentamiento generacional entre alguien que quiere escapar de una realidad y otro que quiere conseguir esa realidad. Rodar y dirigir cine genera una adicción que es difícil superar”.

Carmelo Gómez: “Yo tengo muchas ganas de hacer cine de acción, donde el conflicto sea externo y donde haya que tomar decisiones que sea hacer cosas. Subir tejados, bajar una cuerda… Lo más bonito de un personaje, ya a estas alturas puedo decir que es cuando uno ya lo tiene compuesto y dices ¿cuál sería lo contrario? Y también vale. Ahí es lo divertido. Rodar es muy divertido cuando se viven personajes así, lúdicos como éste”.

Hugo Silva: “Es un personaje listo pero nada inteligente, se le ve la cocina todo el rato. La imagen que tenía era la de un perro de estos que hay en la calle que si te acercas demasiado, muy rápido, te puede sacar los dientes, si ve que tienes comida se te acerca. Además un perro siempre busca un amo, o busca un dueño, busca alguien, lo que sea. Para ser actor hay que ser sobre todo muy humano y Carmelo tiene mucha humanidad”.


El último guión

Dirección y Guión: Javier Espada y
Gaizka Urresti
Producción: Imval Producciones S.L.
Reparto: Jean Claude Carrière, Juan Luis Buñuel, Rafael Buñuel, Asunción Balaguer, Enrique Camacho, Gabriel Figueroa Flores, Ian Gibson, Claudio Isaac, Ángela Molina, Javier Pérez Bazo, Silvia Pinal e Iván Trujillo.

Sinopsis: Un peregrinaje protagonizado por Juan Luis Buñuel, su hijo primogénito y Jean Claude Carrière, guionista y amigo, rememorando episodios de la vida de Luis Buñuel. Desde su Calanda natal, continuando en Zaragoza, Madrid, Toledo, París, Nueva York, Los Ángeles y México. Historias recogidas en “Mi Último Suspiro”.

Javier Espada: “Dalí y Buñuel rompieron su amistad en Nueva York. La razón no fue que no le dejara 50 dólares para pagar el alquiler, sino que Buñuel tuvo que dejar su empleo en el MOMA después de que Dalí lo describiera como ateo y comunista en sus memorias”.

Gaizka Urresti: “Hay una gran labor de investigación e interesantes datos y documentos inéditos, pero lo más importante es el retrato humano, porque a Buñuel siempre se le ha tachado de malhumorado y raro. Es un recorrido por la trayectoria de Buñuel, pero también por el siglo XX, desde un Calanda casi medieval hasta el París del 68, pasando por la República en la Guerra Civil, el México de los años 60. Todo eso está”.

Juan Luis Buñuel: “Sus primeros trabajos fueron como figurante, le encantaba disfrazarse. No había un guión, era la idea, hay que ir a esos lugares”.

Jean Claude Carrière: “Al salir de la proyección de Las tres luces, de Fritz Lang, tuvo claro que quería ser director de cine”.


La mujer sin piano

Dirección: Javier Rebollo
Guión: Lola Mayo y Javier Rebollo
Producción: Avalon PC y Lolita Films (España), Noodles Production (Francia)
Reparto: Carmen Machi, Jan Budar,
Pep Ricart, Cruz López-Cortón,
Nadia de Santiago, Esperanza de la Vega, Victoria Sáez, Isabelle Stoffel, Tomás del Estal y Myrian Marine.

Sinopsis: Retrato en 24 horas, doméstico, laboral y sexual, de un ama de casa casada cualquiera, a principios del siglo XXI en Madrid. Una vida de la que una noche decide escapar, y cuenta todo lo que le pasa en esta fuga que dura lo que dura la noche.

Javier Rebollo: “Soy un director sensual, parto de imágenes que me asaltan. Yo prefiero que el espectador salga haciéndose preguntas, salga un poco incómodo de la sala. Mucho más difícil que un largo monólogo me parece un caminar en silencio de espaldas. Todos tenemos una película dentro. La solemnidad es el escudo de la estupidez. La película necesita ser mirada. Yo me siento como un cirujano o como un escultor que modela a los actores, por eso les toco mucho cuando ruedo. La película es como muchos cortometrajes unidos. Todos nos enamoramos de fantasmas, no sabes quién es el otro casi nunca”.

Carmen Machi: “Puede que sea una recién llegada al cine, pero me gusta tanto o más que el teatro. Se manejan códigos diferentes pero la labor del actor básicamente es la misma. Me resultaba muy atractivo el pensar que cuando duerme la persona que tienes al lado no sabe lo que haces tú. A mí me costaba saber qué pensaba ese personaje y eso era muy, muy, muy atractivo. Los personajes que hago los veo con muchísima distancia, tengo muy poco que ver con ellos”.

Stefan Schmitz (producción): “Las películas tienen riesgos en función de su mercado. Una película que no se equivoca de público, que sabe de qué tipo de público está hablando, si lo encuentra, deja de ser tan arriesgada”.


V.O.S.


Dirección: Cesc Gay
Guión: Cesc Gay basado en la obra de teatro de Carol López
Producción: Impossible Films
Reparto: Ágata Roca, Andrés Herrera, Vicenta Ndongo, Paul Berrondo…

Sinopsis: Un juego entre cuatro personajes. Una comedia acerca del amor y la amistad. Una película sobre la gran mentira que es contar historias que se mueven entre la realidad y la ficción.

Cesc Gay: “Ha sido una película que nació en el teatro, los mismos cuatro actores la llevaron a cabo en el Teatre Lliure, de Barcelona. Una obra pequeña prevista para tres o cuatro semanas y que creció, duró, funcionó muy bien, fue una sorpresa. Hay un momento en que se dice que la realidad está para ser traicionada, así al final de esa gran cena entre los cuatro se hacía una elipsis brutal de cara al futuro y esos saltos me gustaron mucho y pensé que en el cine eso no se hace, estamos acostumbrados a contar las cosas desde el realismo. Es acercar al espectador a la gran mentira”.


Paisito


Dirección: Ana Díez
Guión: Ricardo Fernández
Producción: Tornasol Films, Haddock Films y La Jolla Films
Reparto: Mauricio Dayub, Emilio Gutiérrez Caba, María Botto, Viviana Saccone, Nicolás Pauls, Andrea Davidovics, Pablo Arnoletti, Pía Rodríguez, Juan Gamero, Liliana Chao, Cecilia Cocero, Roberto Moré…

Sinopsis: Uruguay 1973. Aquel país con su famosa democracia y sus millones de cabezas de ganado no podía ocultar el descontento del pueblo, la corrupción endémica de los políticos, los tupamaros, los milicos o el golpe de Estado. En el Paisito el fútbol lo es todo, incluso en tiempos de guerra.

Ana Díez: “La historia de Uruguay es una historia que parte de Ricardo Fernández y que a mí me emociona y creo que podría servir como metáfora de cualquier otra dictadura. Las dictaduras de Argentina y Chile fueron más mediáticas, ésta no fue tan mediática porque fue otra forma de dar el golpe de Estado, pero fue igual de cruel. Aunque yo no conocía Uruguay a mí lo que me interesaba era la historia y un régimen totalitario que impide que se desarrollen las personas. Para buscar localizaciones para la película nos recomendaron que dijéramos que era una historia de amor en los años setenta. Era la sinopsis que llevábamos a todos los estamentos”.

Ricardo Fernández (guión): “Era una historia que tenía la necesidad de contar, que me estaba bloqueando otras cosas, lleva una gran carga autobiográfica, aunque no es una película que cuente los hechos como ocurrieron, pero si los sentimientos, el dolor, el desgarro que había en esa época en Uruguay. ¿Se puede vivir sin mate y sin fútbol?, pues no. El fútbol es una religión en Uruguay, el hecho de que los tupamaros interrumpan un partido y hagan su proclama es cierto, eso ocurrió. Si había un sitio que los uruguayos miraban algo era la telenovela argentina a las cuatro o el partido de fútbol de las nueve de la noche”.

Emilio Gutiérrez Caba: “El mundo en general es un quilombo, pero nada humano me es ajeno, por tanto lo que pasa en Uruguay pues tampoco me resultó ajeno, y sobre todo yo pensaba que esas gentes que se fueron a Argentina y no encontraron la paz porque no se la dejaron encontrar, en México la encontraron un poco más, en Chile volvieron otra vez a encontrarse con ello y en Uruguay… Como intérprete, y como español, me gusta rendir un homenaje a esas gentes, a esos exiliados de los que supimos muy poco cuando yo era niño, y que luego supimos más cuando éramos mayores y no hemos podido hacer nada por ellos. Yo creo que ese es el homenaje”.

María Botto: “Para mí ha sido muy personal, he puesto mucho de mí, es una película que me toca muy de cerca, por eso la tengo mucho afecto. Esta cosa de que no hay ni buenos ni malos para mí no es verdad, sí que hay un culpable y sí que hay una víctima. Aquel que no se compromete ya se pone de un lado o de otro, aquel que dice yo no me comprometo ya se está poniendo, su no compromiso le pone de un lado o de otro. ¿Hubo víctimas? Sí. ¿Son víctimas unos y otros? Sí, pero unos con más responsabilidad que otros. Es un personaje que me afectó”.


Gordos

Dirección y Guión: Daniel Sánchez Arévalo
Producción: Tesela P.C.
y Filmanova Invest
Reparto: Antonio de la Torre, Roberto Enríquez, Verónica Sánchez, Raúl Arévalo, Leticia Herrero, Fernando Albizu, María Morales, Pilar Castro, Adam Jezierski, Marta Martín, Teté Delgado…
Sinopsis: Cinco historias que giran en torno a la obesidad, con un entorno común: un grupo de terapia. Un sitio donde los protagonistas no van a adelgazar, sino a encontrar los motivos por los cuales tienen sobrepeso, a averiguar las causas por las cuales están a disgusto con su cuerpo.

Daniel Sánchez Arévalo: “Me gusta mucho trabajar las pequeñas cosas, creo que es ahí donde están las grandes interpretaciones. Es una película de gordos físicos y de gordos emocionales. De gente que para tapar el vacío interior que sienten, pues consumen y tragan cosas. Esos miedos que tenemos que nos van engordando y al final del día nos hacen la jornada muy pesada. Para mí el cine es conflicto. Las historias las cuentan los actores. Si tienes un buen guión y unas buenas interpretaciones es muy difícil fracasar. La comedia que a mí me interesa es la que parte con una base dramática muy sólida”.
Antonio de la Torre: “Intentado contar con el personaje cómo alguien está constantemente a la defensiva y con una capa de cinismo y de dureza y en el fondo es un niño pequeño deseando que le quieran”.

Roberto Enríquez: “Hemos trabajado a base de improvisaciones, creando historia anterior. Le hemos dado mucha trastienda a los personajes. Hacemos el cine para que lo vea el espectador y se conmueva en el mejor de los sentidos, riéndose, emocionándose”.

María Morales: “El hecho de acompañar al personaje en la ganancia de peso, o la pérdida, te da muchas cosas que si bien no es que sea la interpretación; te ayuda mucho, te da muchos datos que no son ni intelectuales, ni de estudio, ni de técnica, son reales y físicos. Entonces es mucho más rico el incorporarlo”.


La vergüenza

Dirección y Guión: David Planell
Producción: Avalon Productions
Reparto: Natalia Mateo, Alberto San Juan, Norma Martínez, Marta Aledo, Esther Ortega, Brandon Lastra…

Sinopsis: Una pareja de treintañeros modernos y acomodados ha decidido comunicar a la trabajadora social que ha gestionado la adopción de un niño peruano de ocho años que los nueve meses que llevan con él la vida es un infierno, es muy difícil. Que quieren devolverlo.

David Planell: “Yo sabía que no es una película de niños, es en torno a un niño. Creo que queda muy claro que es un drama pero corre el humor, pero si no lo mezclas debidamente te puede estallar un poco en las narices el artefacto. Todos han pasado por un viaje, mañana será otro día, me gusta que nadie sepa lo que ha hecho el otro. Tampoco se sabe si esta pareja va a seguir, o no va a seguir, es duro lo que les ha pasado, se han dicho muchas burradas. La vida sigue con una energía nueva, ni buena ni mala, nueva. A ver qué pasa”.

Natalia Mateo: “Había mucha dificultad no sólo porque la media hora era la media hora de verdad, sino porque se repetían todo el rato los lugares. Venga, otra vez a la cocina, a hacer la escena de cinco minutos después. Cosas en las que no piensas habitualmente, como dónde pongo las manos. Aquí era bastante importante que se notara que había pasado un poquito de tiempo. Realmente es más difícil trabajar así, por un lado tienes la suerte de ir cargándote de la energía, pero si es verdad que una casa, y además estos personajes, hay algo hierático en ellos, que van de un sitio a otro, que hay escenas que son un poco como zombis, que en realidad es como estamos todos en nuestra casa, que vas de una habitación a otra y no vas a nada en concreto, vas siguiendo al otro y no es fácil de hacer eso. Me dan ataques de inseguridad cada vez que veo la película”.


Háblame de amor

Dirección: Silvio Muccino
Guión: Carla Vangelista y Silvio Muccino
Producción: Cattleya y Alquimia Cine
Reparto: Silvio Muccino, Aitana Sánchez Gijón, Carolina Crescentini, Andrea Renzi, Flavio Parenti, Max Mazzotta, Geraldine Chaplin, Giorgio Colangeli…

Sinopsis: Un chico de veinticinco años se asoma tímidamente al mundo. Una mujer que ha pasado los cuarenta y se ha escondido de la vida. Historia de una educación sentimental que va más allá del control y de las reglas. En que los roles se confunden y se dan la vuelta.

Silvio Muccino: “Habla de un amor libre y revolucionario que no hace caso ni a la edad ni a la forma”.

Aitana Sánchez Gijón: “Pocas veces me he encontrado con un director tan exigente como este jovenzuelo. El amor basta, son importantísimas otras muchas cosas, pero realmente sin eso no hay posibilidad de ser feliz. Cuando uno realmente es capaz de dejarse atravesar por el dolor y no intentar evitarlo, a partir de ahí es cuando puede volver a la vida. Cuando yo leo un texto que me apasione, que sé qué tengo que hacer, esa noche no duermo, me entra una ansiedad de hacerlo ya, ahora mismo. Me ha pasado con todos los textos de teatro que he hecho. Todos somos cobardes y valientes al mismo tiempo, depende del momento de la vida que nos pille. Con Silvio yo no tenía la impresión de que fuera una primera película. Tenía una seguridad insultante en sí mismo, y al mismo tiempo nada arrogante”.


Los ojos de Ariana

Dirección: Ricardo Macián
Guión: Carlos Muguiro y Ricardo Macián
Producción: Croma Vídeo Producciones
Reparto: Sayed Majood Hussaini, Mirwais Rekab…

Sinopsis: Muestra la labor de nueve trabajadores de Afghan Films (La Filmoteca Nacional de Afganistán en Kabul), aun a riesgo de sus vidas, para preservar la memoria fílmica de su país frente a unos gobernantes talibanes que llegaron a prohibir incluso disfrutar del canto de los pájaros.

Ricardo Macián: “Todo se puede salvar a base de apoyar a gente como ésta, gente normal, gente como nosotros. Es gente de la que no habla nadie. Es un país donde nuestros valores no tienen nada que ver, allí no se pueden aplicar. Es francamente difícil hacer copias, o sacarlo de allí, es imposible. Nosotros coincidimos en la misma época, en los veinte días que estuvimos, con las manifestaciones en contra de las caricaturas de Mahoma, fue la misma semana. Nos tuvimos que esconder varias veces. Eso no se ve en la película, no refleja realmente las dificultades. Lo que sí que refleja es el amor que tienen por el cine esas personas. Muchas veces me he preguntado qué haríamos nosotros en caso de que ese régimen se instaurara aquí. ¿Quién es el valiente que se juega la vida por algo tan prosaico como el celuloide? El cuentacuentos lo incorporamos en el guión porque la tradición oral es algo que no se puede destruir, a no ser que maten a todo el mundo claro. Todo régimen totalitario intenta controlar la cultura. El valor que tiene este documental, más allá de que guste más o menos por la factura, es el trasfondo. Por eso lo hemos hecho, por amistad y porque pensaba que la historia valía la pena. Afganistán es una sociedad tribal, es muy difícil cambiar esto en una generación. En cuanto se sale de Kabul estás retrocediendo a la Edad Media. La solución está en apoyar a este tipo de gente, es una solución a muchísimo más largo plazo evidentemente, no tiene resultados políticos para ponerse medallas”.


Tres días con la familia

Dirección: Mar Coll
Guión: Valentina Viso y Mar Coll
Producción: Escándalo Films
Reparto: Nausica Bonnín, Eduard Fernández, Philippine Leroy-Beaulieu, Ramón Fontserè, Francesc Orella, Amâlia Sancho, Aída Oset, Artur Busquets, Isabel Rocati, María Ribera, Greta Fernández, Cristina Gámiz, Abel Zamora, David Verdaguer, Mercè Compte, David Vert, Óscar Intente, Dafnis Balduz, Nadina Campas, Josep María Busquets, Leonor Bonacasa, Josefina Espinosa, Yasmine Raiss, Abel Sanahuja, Marc Padilla, Santiago Gimeno-Bayón…

Sinopsis: La muerte del patriarca es la excusa para forzar la convivencia entre sus descendientes. Los tres días que dura el velatorio, la misa y el entierro son un buen momento para observar ese juego de apariencias de una burguesía conservadora donde los problemas nunca son explícitos.

Mar Coll: “A mí me interesaba que la muerte fuera como una especie de marco, para retratar la familia, pero que no fuera un elemento dramático. Está cambiando el modelo familiar. La relación era sobre el respeto más que sobre el cariño y ahora esto cada vez es menos así. Me pone mucho más nerviosa el set porque tienes que tomar decisiones en el momento, prefiero escribir y montar que siempre puedo volver atrás, borrar”.
Eduard Fernández: “Mar acepta muy bien las propuestas de los actores, lo que ella trae se habla, se discute, se pone en común y está muy abierta a hacer una cosa, otra, o demás, ha sido el trabajo muy fácil. Esta mujer piensa como una directora, tiene un punto de vista desde donde atacar. A mí me encanta cuando me dicen sí o no con esa claridad. Hay que traspasar la idea de que el cine es algo lúdico, divertido, cultural, para enriquecerse uno mismo. Lo único que importa es ver buenas películas, y creo que ésta lo es y que merece la pena verla sólo por eso, porque es buena y porque está bien y porque le puede servir a uno mismo”.

Philippine Leroy-Beaulieu: “La familia es el primer lugar que se hace política. Es el microcosmos, se puede decir todo, se puede contar todo, se puede contar lo que es una sociedad”.

Nausica Bonnín: “Con los ensayos que hicimos antes encontramos el tono que teníamos que dar y a partir de ahí era construir un poco cada secuencia”.

Ramón Fontserè: “Leí el guión y sinceramente no me enteré de nada. Cuando conocí a Mar me gustó mucho cuando dijo que quería ensayar, que es algo que a mí me gusta, me gusta una cierta disciplina, un cierto proceso de creación del personaje porque uno va tan perdido en cine, con el tiempo muy justo”.

Francesc Orella: “Mar es mucho más madura de lo que podría representar su edad y en ningún momento teníamos la sensación de estar con una novata”.


Máscaras:

José María Pou interpreta la última representación de La cabra, de Edward Albee. Detrás quedan más de dos años del éxito de la tragedia de un ejemplar padre de familia enamorado de una cabra. La cámara se mueve entre bambalinas del teatro, un espectáculo tan fascinante como el que el público observa desde el patio de butacas. A los aplausos le sigue el recorrido del actor a su camerino, primera escala de un nuevo viaje. Ha llegado el momento de despojarse de un personaje y meterse en otro. En este caso, el protagonista de Su seguro servidor, Orson Welles.


La máquina de pintar nubes:

Bingen Elorza interpreta al joven Asier que, durante el verano de 1974, vive su particular viaje iniciático en medio de la desolación oxidada de Santutxu, un barrio industrial de Bilbao, con Franco aún vivo y los conflictos políticos y sociales a flor de piel. Asier, que es daltónico, se propone hacer un retrato a la chica de la que está enamorado. Para hacer el retrato no quiere contar con la ayuda de su padre, Andrés. Asier recurrirá a Mateo, que acepta enseñarle a cambio de dinero. A pesar del poco interés que pone, su fuerte personalidad hace que la enseñanza sea, a su pesar, viva e intensa.

 

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